Indijski potkontinent stvorio je brojne umjetnike međunarodne reputacije, od kojih mnogi donose milijune na aukcijama širom svijeta. Neke od najuspješnijih i najinovativnijih umjetnica iz Indije su žene, a njihove raznolike prakse istražuju širok raspon tema, od identiteta i sjećanja do politike, povijesti i suvremene kulture. Donosimo vam deset najpoznatijih suvremenih indijskih umjetnica.
Shilpa Gupta
Ispitujući niz tema od potrošačke kulture do želje, sigurnosti, religije, nacionalizma i ljudskih prava, interdisciplinarne prakse Shilpa Gupta koriste interaktivni video, fotografiju, instalaciju i umjetnost performansi, često oslanjajući se na sudjelovanje publike. Funkcionirajući poput interaktivne videoigre, njena serija videoprojekcija pod nazivom Sjena (1, 2 i 3) sadržava simulirane sjene gledatelja, snimljene uživo kamerom. Sjene su projicirane na bijeli ekran i interakcije su s drugim sjenama koje stvaraju predmeti, lutke, kuće, ptice i druge figure koje plešu, skaču i hodaju. Gupta je jedna od mladih generacija indijskih umjetnika čiji rad reagira na postkolonijalne društvene podijeljenosti u zemlji. Često zamagljuje, ponovno crta i briše geopolitičke granice, kao što je to u 100 ručno crtanih karata Indije (2007-2008), koje se sastoje od ručno crtanih karata od strane gledatelja iz sjećanja ili njezinog nesuđenog rada koji prikazuje žutu policiju traka s zastavom na kojoj piše: "Ovdje nema granice."
Bharti Kher
Spremni, gotovi bindi - tradicionalni indijski ukras čela - središnji je dio Bharti Kher prakse i poziva ambivalentna značenja, oscilirajući između tradicije i moderne. Kher napreduje u stvaranju umjetnosti koja prikazuje pogrešno tumačenje, zablude, sukobe, mnoštvo i kontradikciju, istražujući ljudsku dramu i suvremeni život. Bindi se pojavljuje na svojim slikama, kao i u svojim kiparskim instalacijama, izazivajući ulogu žene u tradicionalnoj zemlji i referirajući se na njeno tradicionalno duhovno značenje „trećeg oka“. Njezin rekordni film The Skin Speaks a Language Not Your (2006) prikazuje mrtvog ili umirućeg slona od stakloplastike prekrivenog sjajnim bindisima. Njezin se rad dodatno bavi alegorijskim pričama, fantastičnim stvorenjima, magičnim zvijerima i mističnim čudovištima, što je vidljivo i u drugim djelima koja se temelje na životinjama, poput Prekršaja. A Absence of Assignable Cause (2007), replika veličine plavog kita u životnoj veličini, utemeljena na umjetnikovoj mašti, naglašava romantičnu ideju 'velikog srca' i misterije koje srce vežu za pojmove ljubavi, život i smrt.
Bharti Kher - odsutnost određenog uzroka © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Uz papir kao svoj primarni medij i minimalni vokabular bogat udruženjima, Zarina Hashmi stvara apstraktna djela koja su u skladu s njezinim životnim iskustvima izgnanstva i otuđenosti i konceptom kuće - bilo da je to osobni, geografski, nacionalni, duhovni ili obiteljski. Njezin kontemplativni, pjesnički opus uključuje izreze od drva, jedkanice, crteže i odljeve načinjene od papirne kaše. Njene ručno izrađene i kaligrafske crte čine ujedinjujući element u njezinim kompozicijama. Jezik je središnji za umjetnika. Letters from Home (2004) prikazuje niz otisaka na temelju pisama sestre Rani koja živi u Pakistanu. U video intervjuu s Tateom, Zarina prepričava kako joj je primanje tih pisama pomoglo da sačuva osjećaj identiteta. Rukom pisana urdu prekrivaju se karte i crteži udaljenih domova i mjesta, nose sjene značajnih trenutaka i dojmova mjesta relevantnih za život njezine obitelji.
Nalini Malani
Koncept prekoračene granice nalazi se u srcu prakse Nalini Malani, koja izlazi iz literature, mitologije, povijesti i osobnog života radi stvaranja umjetnosti relevantne u kulturama. Od crteža do slika, projicirane animacije, igranja u sjeni, videa i filma, umjetnik uspoređuje tradiciju s modernističkim elementima kako bi se pozabavio gorućim pitanjima koja se odnose na suvremeno društvo. Na njezinu obitelj pogođena je Podjela iz 1947. - tema koja je Malani draga, što se vidi iz sjećanja na Toba Tek Singha (1998), videa nadahnutog istoimenom kratkom pričom Sadata Hasana Mantoa. Malani koristi simboliku smrti Bishena Singha - mentalnog bolesnika koji, odbijajući se preseliti u Indiju za vrijeme podjele, umire u nečijoj zemlji između dviju granica. Malani, dakle, istražuje učinke Particije na život ljudi i ona proširuje ovo istraživanje na učinak nuklearnog testiranja u Pokhranu u Rajasthanu. Malanijevo zanimanje za Cassandra leži u njezinu uvjerenju da svatko od nas ima uvida i instinkta. Njezina je izložba iz 2014. pod nazivom Cassandrov dar u umjetničkoj galeriji Vadehra bila usredotočena na mogućnost da čovječanstvo predvidi događaje budućnosti i stvarno 'osluškuje' što se događa oko njih.
Rina Banerjee
Ljubav prema supstanci, tkanini i teksturi, zajedno s iskustvom života u zajednicama mješovitih kulturno / rasnih mjesta pružaju osnovu za poetične multimedijske radove Rine Banerjee. Svoj opus definira kao istraživanje "specifičnih kolonijalnih trenutaka koji iznova pronalaze mjesto i identitet kao složena dijasporska iskustva isprepletena i ponekad nadrealna." Banerjee stvara šarene sklopove tekstila, modnih predmeta, kolonijalnih predmeta, namještaja, taksidermija i organskih materijala, dobivenih iz njujorških prodavaonica smeća i rekonfiguriranih u predmete prožete novim značenjem. Neobični materijali uključuju aligatore koji drže poreze, drvene krevetiće, riblje kosti, noja, jaja i perje i antiknu opremu. Dok je hibridnost njenih djela odraz njene kozmopolitske pozadine, vizualni jezik koji stvara ukorijenjen je u mitologiji i bajkama. Vodi me, vodi me.,, do Palace of Love (2003) je instalacija koja je prikazana na Musée Guimetu u Parizu 2011. godine. Artikulirajući diskurs o svom podrijetlu i zapadnjačko-orijentalističkom pogledu na Istok, sastojao se od ružičastog plastičnog paviljona napravljenog u obliku Taj Mahal je evocirao pogled na Indiju kroz ružičaste naočale, karakteristične za kolonijalnu britansku prisutnost u Indiji - sa središnjim sklopom 'egzotičnih' materijala.
Dayanita Singh
Stvarajući znatiželjne pripovijesti iz svakodnevnog života kroz fotografski medij, Dayanita Singh vizualno izražava krajolik koji umjetničku maštu uspoređuje sa stvarnim svijetom. Njene crno-bijele fotografije predstavljene su u instalaciji pod nazivom Muzej, kao i u njenom omiljenom mediju: knjizi. Papir ima poseban značaj za Singha. Umjetnik portretira sve, od više klase do ruba društva, pružajući širokokutni pogled suvremene Indije. Mona Ahmed je figura koja se ponavlja u njenom djelu; još od njihovog prvog susreta 1989. godine na komisiji za London Times - eunuha koji živi na groblju u Old Delhiju, dvostrukog izopćenika kojeg su odbacile njezina obitelj i eunuhova zajednica. Singhov portret Mone je istraživanje onih s fragmentiranim identitetom i nedostatkom osjećaja pripadnosti, što je tema knjige Myself Mona Ahmed. Singhova kuća ljubavi zamagljuje granicu između fotografije fotografije i književne fikcije, s slikama popraćenim poezijom i prozom koji pripovijedaju devet kratkih priča. Prijenosni „muzeji“, poput Muzeja datoteka (2013.) ili Muzeja slučaja (2014.), velike su drvene građevine koje se mogu rasporediti u različitim konfiguracijama, a sadrže od 70 do 140 fotografija. Ta „foto-arhitektura“, kako je Singh naziva, omogućava joj beskrajno prikazivanje, uređivanje i arhiviranje slika.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat često uključuje više medija u jedan umjetnički rad. Kalatino djelo se uključuje u neprekinuti ciklus prirode i krhkost ljudskog stanja, odražavajući stalne pomake između rođenja, smrti i ponovnog rođenja; izgradnja i urušavanje, poraz i ponovno oživljavanje. Često radi sa službeno zabilježenim ili registriranim imenima - ljudi, predmeta ili spomenika koji su izgubljeni ili nestali bez traga. Ponavljajući motiv u njezinoj praksi je pečat od gume, simbol kontrole i birokratskog aparata - 'bezlično stanje' koje zatamnjuje i potvrđuje identitete. Kallat koristi gumene marke od 2003. godine, a svoje radove ulaže s ironijom. U Falling Fables koristila je marke s adresama nestalih spomenika zaštićenih pod Arheološkim pregledom Indije, stvarajući oblike arhitektonskih ruševina, skrećući pažnju na stanje urušavanja i loma iz kolektivnog pamćenja koje se događa u Indiji i širom svijeta danas. Godine 2013. stvorila je Utitled (Cobweb / Crossings), kaubojku na pročelju muzeja Bhau Daji Lad u Mumbaiju. Njezino je stvaranje sadržavalo jednu tonu gumenih pečata koji nose nekadašnja imena ulica koje okružuju muzej i ističu izgubljene povijesti. Kallat je prethodno koristio motiv interneta da se bavi pitanjima migracija i onima koji ga kontroliraju. U „Bez naslova (karta / crtež)“ zamršena mapa svijeta napravljena električnim žicama i spojnicama pronalazi često skrivene migracijske staze radnika.
[K] Reena Saini Kallat - Bez naslova (2008) - detalj © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
Kroz fotografiju i skulpturalnu instalaciju, Hema Upadhyay bavi se pojmovima osobnog identiteta, pripadnosti, dislokacije, nostalgije i spola, razmišljajući o suvremenoj državi Mumbaiju - metropoli sa svojim multikulturalizmom proizašlim iz migracijskih kretanja. Ponavljanje autobiografskih djela uključuje slike sebe, kao da traži svoje mjesto u gradu, u koje je bila prisiljena migrirati sa svojom obitelji tijekom Particije. U svojoj prvoj samostalnoj izložbi, Sjećanja slatkog znoja (2001.), predstavila je djela koja su govorila o osjećaju otuđenosti i gubitka. Serija je sadržavala minijaturne fotografije sebe nalijepljene na slike koje su prikazivale zračne i podzemne perspektive Mumbaija kao neodoljiv novi grad.
Sheela Gowda
Uključujući skulpturu, instalacijsku umjetnost i fotografiju s prikazom urbane i ruralne Indije, Sheela Gowda stvara radove koristeći svakodnevne materijale, uključujući pronađene i reciklirane predmete i materijale poput kravljeg gnoja, crvenog kumkuma (kurkuma), tamjana, ljudske dlake, zlatnog lista, svečanih boja i domaće materijale poput kokosovih vlakana, igala, niti i kanapa. Gowdina praksa uvelike se oslanja na njegov postupak koji zamagljuje granice između umjetnosti i zanata i dovodi u pitanje ulogu ženskog subjektiviteta u kontekstu religije, nacionalizma i nasilja koje predstavljaju suvremenu Indiju. A Tell Him of My Pain (2001.) zaposlio se preko 100 metara namotanih niti, obojenih crvenim kumkumom, suspendiranih i prevučenih po prostoru da bi stvorio trodimenzionalni crtež. Rad se odnosio na indijsku kulturu začina i tekstilnu industriju - koja je tradicionalno dio ženskog iskustva - kako bi se istakla bol ženskog domaćeg života u patrijarhalnom društvu.
